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「MIKOSHI GUY 映画 祭の男」2019年日本（＠UP LINK渋谷）

CM制作で何度か仕事をさせていただいたディレクターのイノマタトシ（猪俣敏郎）さんが

2年半越しでドキュメンタリー映画を完成させた。

その映画が、UP LINK渋谷で上映されると聴いて伺った。

「奥渋」と言われている場所にその映画館はある。

東急本店から代々木公園駅に向かう神山通り。

ここは、車だと代々木公園（富ヶ谷）からの一方通行。

久しぶりに行くと「奥渋」の旗が掲げられお店が増えており人通りも多くなっていた。

以前はNHKとオーストラリア大使館がひっそりとあるような場所だった。

最近はおしゃれスポットになっているらしく。

テレビ東京のドラマ「デザイナー渋井直人の休日」というドラマでも

お洒落ストリートとしてロケが行われていた。

イノマタ監督は東日本大震災の後、東北復興のドキュメンタリーをいくつか製作されており、

その取材の中で全国のお祭りに行って神輿をあげつづけている若者がると聴いた。

その若者に興味を持ったイノマタ監督は春日神社のお祭りに参加して、

本作の主人公でもある宮田宣也に出会った。

そこからイノマタ監督は彼を追いかけてありとあらゆる場所に同行した。

祭の好きな男とイノマタ監督の同行二人の記録。

神輿はもともと地域コミュニティのシンボルでもある。

各地域には神社があり、そこに神輿が置かれ、祭礼になると

その地域のコミュニティの人たちが一緒になって神輿を上げる。

東京の三社祭などが有名だが、神輿を上げるのを生きがいにしている人たちがいる。

とともに全国区で見ると、少子化による人口減少で

地方の祭礼では神輿の担ぎ手がいなくなっているということをこの映画を見て初めて知った。

宮田さんのおじいちゃんは神輿作りの職人だった。

宮田さんは祖父のやってきたことを引き継ぎ、新たな時代の

新たな神輿とのかかわり祭礼とのかかわりを模索している。

神輿と言う地域コミュニティのシンボルを媒介として

地域の人たちがつながりあうというのが神輿の持つ最大の効用なのでは？

宮田さんは神輿の修復などの作業もしており、茨城県のつくばをベースに制作していいる。

同時に、様々な場所の職人さんを巻き込んでいく。

会津若松に若き職人がいると聴くと訪問して

一緒に神輿の再生をしようと頼み込み、もはや合宿状態で作業を行う。

宮田さんはこのようなカタチで新たな「絆」を作り、

新たなカタチの「コミュニティ」を創ろうとしているように見える。

岡山は総社にあった古い神輿の再生の記録はその典型的な事例ではないだろうか？

そして、彼の大学の友人たちも巻き込まれ祭礼の神輿担ぎに駆り出される。

そこには外国人の姿もある。

国境を越えて神輿をハブにしたコミュニティが世界に拡がっていく。

彼らは日本の文化を紹介するイベントでフランスに出向き、そこで神輿を上げた。

それを知ったドイツのベルリンにいる日系ドイツ人の女性が

フェイスブックで宮田にコンタクトをし、ベルリンで神輿を上げませんか？と声をかける。

二つ返事で参加を表明した宮田とその仲間たち。

ちなみに、宮田をはじめとする彼らは襷を未来につなぐという意味の「明日襷」という活動を行っている。

ベルリンでの彼らの日本の祭礼の紹介が

この映画のハイライト！

国境を越えて人々が共感し一緒に身体を動かす、それを見るだけで何故か泣けてくる。

コミュニティの原点がそこにあるように思える。

結局、コミュニティとは人と人のつながりでしかないんだ！

ヘイトスピーチなどに代表されるポピュリズムとは真逆の精神がそこにあり、

それは多様性を赦し他者に寛容で、ともに生きて行こうとする。

その「魂」の触れ合いが祭礼というハレの日の行為で生まれてくるのだろう。

神輿を上げることで日本の八百万の神々とつながって絆が出来る事を祈る。

祭礼の根っこにはそんなことがあるのではないか？ということに気づかせてくれる映像作品。

イノマタ監督が自ら操縦し撮影したドローンの空撮映像が効いており、

そうした映像も含めたポップなスタイルを通じて、

日本と日本人たちの持っている根源的な価値を他者に理解してもらえる

作品に仕上がったのではないだろうか？

欲を言えば、祭礼は「ハレ」の日の活動である。

「ハレ」の日があれば、大多数の「ケ」の日がある。

宮田さんの「ケ」の日はどのように暮らしているのか？

みたいなさらにプライベートに突っ込んだところも見たかった。

上映時間約1時間20分。UP　LINK渋谷で上映中です！

「イチゾウ」無隣館若手自主企画vol.29 野宮企画（＠アトリエ春風舎）

詩作・構成・総合演出：野宮有姫（シックスペース・無隣館）

出演俳優は無隣館の5名（男性2名・女性3名）

舞台、左右に椅子が置かれ俳優たちはそこに座っている。

舞台下手の手前にブリキのバケツが置かれている。

そのバケツに天井から水滴が滴り落ち「ポーン」「ポーン」と定期的なリズムを刻んでいる。

背景には左右に長い黒板上のプレートが設置されており

そこに野宮さんが書いたのだろう「詩」が投影されている。

舞台は真四角に仕切られており、

その四角の枠が10センチ角くらいの角材で構成されている。

冒頭で俳優たちがそれぞれあるフレーズを語りだす。

その音とブリキのバケツに落ちる「ポーン」という音たちがシンクロして

音楽を奏でるようになっていく。

その後の記憶があいまいなのだが、俳優たちは口々にセリフを言い始める。

俳優たちはセリフを語りながら独特な動きを繰り返す。

まるで「チェルフィッチュ」の芝居のように。

また、

同時に詩を朗読するように俳優たちは野宮さんが創作しただろう言葉を朗々と語る。

ここはまるで「マームとジプシー」のよう。

野宮さんは岡田利規（チェルフィッチュ）や藤田貴大（マームとジプシー）の

作品が好きなのだろうか？

しかしながら、残念なことにセリフが届いて来ない。

どうしたらこの言葉たちが届くのか？

散文を羅列してただ発するだけでは届かない。

哲学者のマルクス・ガブリエルは著書の中で以下のように語っている。

人間は意味を見いだす動物である。

私たちはまず、この言葉の意味はなんだろう！？と考え始め

そこから意味を見つける。

そして今度は勝手にストーリーを組み立て始める。

そうして意味のコンテキストが自らの

内面に入っていきやすいように工夫しているのだろう。

ストーリーテリングの効果とでも言うのか？

AIの研究者はここで行った人間の行為を学習させることが出来るようになると

言葉や意味、そして文脈の理解が出来るようになると考えているのだろうか？

コンピューターは、事象は理解できるが、それがどんな意味なのかはわからない！

と言われている。

私たちは逆に意味を見いだせないと

そこからの興味が薄れてしまう動物でもある。

本作の最大のポイントはそこなのではないだろうか？

とすれば野宮さん初め俳優たちも含めて、私たちにどのようにして

意味を伝えるのがいいのか？という考察が必要なのでは？

いくつかビジュアル的に印象的な部分があった。

もしかしたら、そんなに言葉が要らなかったのかも知れない。

新たな実験を行ってみようとする姿勢は理解できる。

その実験が機能したのかどうなのかは？

演出家や俳優たちが現場で感じた観客の反応をどう捉えるか？

なのだろう。

宮沢賢治のファンなら言葉が入って来て

印象的だったのだろうか？

上演時間60分。24日まで。

「Das Orchester」パラドックス定数 第45項（＠シアター風姿花伝）

作・演出：野木萌葱。野木さんは昨年から今年にかけて

この劇場で過去作品を7本（？）連続上演された。

それ以外に、他の公演にも戯曲を書き下ろしされている。

ものすごい仕事量をこなしながら質の高い作品を発表し続ける姿勢は

まさに、本作に登場するオーケストラの指揮者（マエストロ）。

高いレベルで、観客に聴衆に芸術を感じて欲しいと願うのは

すべての芸術家の想いではないだろうか？

その崇高な精神を踏みにじるものが目の前に現れたら

死に物狂いで抗い、芸術表現の自由を守るのは自然な流れである。

しかし、それが極端な状況であればどうなるのだろうか？

野木はその葛藤をナチス帝国が台頭し始めた1934年のドイツを舞台に描く。

今回はパラドックス定数の俳優が全員出演しているという。

1936年にベルリンオリンピックが行われた、その際に記録映像の

映画監督のレニ・リーフェンシュタールを起用してありとあらゆる撮影機材を駆使して

最新の映像を創り上げたことは映像業界に身を置くものなら誰でも知っている。

宣伝担当大臣のゲッペルスは人民が感覚的に何に熱狂するのか？を知っており

音楽・映画・美術などの作品もそのために利用された。

今の時代ならTVやインターネット、ゲームなどを駆使して

同じようなことが可能なのだろう。

また、ナチス総統のヒットラーは作曲家のワーグナーのことがとても好きだったという話を何度も聴いた。

彼の勇壮な曲が、例えば「ワルキューレの騎行」が「地獄の黙示録」の

ベトナム戦争の空爆のテーマソングとして使われたのもある種の意味があったのかも知れない。

コッポラ監督はなぜあの曲にしたのか？ドアーズの「this is the end」という

密林の王国の曲と対比的に描かれた映画だった。

また、ナチスドイツは「退廃芸術」という定義を行い前衛的な芸術行為に対して、

これはドイツ国民が触れるものではない！と弾圧し活動をさせなくした！

一方、「大ドイツ芸術展」などを開催しこれこそがドイツ国民が見るべき芸術

と規定して国家予算を投じて推進した。ここには本当の意味での芸術の自由はない。

並行してユダヤ人を初めとする人たちを純血主義の下に排斥していく。

同じ排斥の文脈がそこにはあり、そうしてドイツ軍は周囲と戦い理想を掲げて孤立していく。

中国で行われた「文化大革命」なども同様の排斥行為である。

それは、実は過去に様々な国で行われており人民たちはそれに抗えなくなる。

そうなるとどうなるのか？という危機感を本作品ではリアルに感じさせてくれる。

しかし、それとは同時に芸術に対する愛情を感じるシーンなどがあり

マエストロの才能を愛してしまったナチス党員は

何とかしてマエストロの芸術家の命を維持しようとする。

自らの立場だと

それ以上は言えない、しかし、遠回しに説得することでマエストロを…。

緊張感があり、ある種、崇高なシーンである。

そして、マエストロに自らの命の危機をさらしてでも

一緒に音楽をやりたいと願うユダヤ人の演奏者たち、

そして、マエストロのユダヤ人女性秘書。

このオーケストラの事務局長は独裁国家の介入により、

芸術の自由が奪われ音楽の質が低下することを危惧し、

様々な方法で国家権力と交渉する。

その苦悩しながらも、何とか現実的によりよくしたい、

さらには楽団員たちを守りたいと奔走する姿が

痛ましくも誇り高い。

現実との葛藤の中でそうした人たちがそれぞれの立場で奮闘する群像劇である。

上演時間2時間10分。3月31日まで。

「糸井版・摂州合邦辻（せっしゅうがっぽうがつじ）」木ノ下歌舞伎（＠KAAT）

作：菅専助（すがせんすけ）、若竹笛躬（わかたけえふみ）、監修・補綴・上演台本：木ノ下裕一、

上演台本・演出・音楽：糸井幸之介（FUKAI PRODUCE羽衣）

摂州とは、大阪の北部から天王寺、そして尼崎あたりの一帯を言うらしい。

私の実家の大阪府高槻市は摂津(摂州）の国の北側なので「北摂地区」と呼ばれている。

曽根崎心中の曽根崎天神があるのも、国立文楽劇場があるのも摂州である。

最近、茶の湯の本を何冊か読んでいる。千利休は大阪の堺の出身。

彼についての本を何冊か読んでいると、

室町時代から大阪の商人たちは南蛮貿易などの商売で大きな富をたくわえており、

それが贅沢な文化を生んでいったと書かれていた。

浪花商人はそうして現在まで続いている。

大阪には、そうした進取の気性があった。

いわゆる現在のスタートアップ？みたいな？

同時に人形浄瑠璃などの文化が生まれ、

その物語を創作する人たちがたくさん出てくるようになった。

本作「摂州合邦辻」も有名な演目。歌舞伎でも上演されている。

なぜ、人気なのか？というのはこれを見ると大いに納得。

物語がとても良くできている。

「しんとく丸」伝説などをアイデアの下にして高安家の息子である

「駿徳丸」（田川隼嗣）を中心に物語が進んでいく。

糸井演出らしく、劇中に音楽がふんだんに登場する。

歌詞が面白い。

そしてリリカルなメロディーが見ている人の感情を揺り動かす。

俳優たちは全員マイクを付けて音響ミキサーがシーンごとに

細やかな調整をしてくれている。

この数年、木ノ下歌舞伎のチケット確保が難しくなってきている。

ただし、人気になったことによって予算がついて

こうした技術的なバックアップがちゃんとできるようになったのは本当に喜ばしい。

そして、初めて木ノ下歌舞伎を見た人の何割かは確実にリピーターとなっていく。

歌舞伎ファンと思われる人たちも多い！

本作の成功の大きなポイントは内田慈の起用では？

以前の木ノ下歌舞伎は、俳優のレベルがバラバラで、

それによって物語の本質が見えにくくなってしまったというような公演もあった。

この数年はそんなことはなく、的確なキャスティングが行われている。

特に本作では玉手御前を演じる内田慈の演技によって

物語の深みが大きくなったのでないか？幼い頃のあどけない少女から

母性溢れる母親を演じ、時には恐ろしい悪女のようにも変化する。

そして合邦の娘としての親子の愛情の交わり、母親としての子どもに対する態度。

それらをすべて包含する芝居はかなりの演技の幅が要求される。

内田が歌う楽曲もチャーミングな声で魅了する。

オープニングのシーンがいわゆる「クライマックスシーン」から始まる演出は、印象的。

しかしながら、その印象は、時間が経つに従って変化する。

その変化を受け容れながら

いろんなサブエピソードがインサートされ徐々にクライマックスに向かって進んでいく。

音楽で対位法という技法がある。

別のメロディーが組み合わさってそれがさらに新たなハーモニーを生みだすというもの。

本作は各登場人物たちの物語が複数並行して描かれ

エンディングに向けて対位法的なスタイルで進んでいった。

音楽を得意とする糸井さんならではの演出なのか？

ラストシーンが長いのが少し気になった。

現在とこの物語の伝統を接続する。

まさに木ノ下歌舞伎のコンセプト通りの舞台！

上演時間2時間20分。

「血のように真っ赤な夕陽」俳優座（＠俳優座5階稽古場）

六本木の一等地に俳優座のビルがある。

六本木の交差点から徒歩十秒！1階は普通の俳優座の劇場。

ここは何度も行った。そして、そのビルの5階に稽古場がある。

こんな場所に稽古場もあるなんて！

歴史の長い劇団はこうした設備が整っている。

文学座しかり青年座（現在、代々木八幡のアトリエ建て替え中）しかり。

稽古場と行ってもタッパ（天井高）もある。

大きさは、文学座のアトリエを何回りか小さくしたような空間。

稽古場だけに防音は完璧ではなく外からの音が劇場内にこぼれてくる。

古川健（劇団チョコレートケーキ）が俳優座のために書き下ろした戯曲。

古川健のおっかけのように

古川戯曲ならばどの劇団の公演でも行くようになった。

同じくおっかけのTさんが今回は早めにチケットを確保してくれた。

舞台は1940年代から戦後にかけての満州。

満蒙開拓団と言う言葉や満鉄、満州映画協会など、

中国「清朝」の傀儡国家として溥儀皇帝を元首に仰ぎ

日本国は満州国を建国した。実質は関東軍が統治・支配する。

日韓併合から満州国の設立（1932年）

そしてみなさんもご存じのようにその後日本は、日中戦争（1937年）を行い、

東南アジア諸国に向けて

欧米の支配から離脱するというスローガンを掲げて侵略。

さらには米国に対して

彼らが実施したエネルギーの禁輸政策でどうしようもなくなった日本は

1941年12月8日（日本時間）真珠湾攻撃を開始し太平洋戦争に突入していく。

いま思うと完全な自傷行為と思えるこうした政策がなぜ行われたのか？

そして、国家の宣伝文句に踊らされて

祖国では食べていけなくなった家族が新天地に希望を求めて

満州国に開拓にやってくる。

しかし、そこには先住の民がいる。

北海道を開拓しようと入植者を集め屯田兵を送った明治政府。

そこに住んでいたアイヌの人たちはそれをどう思ったのだろう？

ちなみに、NYのマンハッタン島はオランダ人が

現地のネイティブ・アメリカンから60ギルダー（米ドルで24ドルくらいらしい）で購入したと、ある。

満州にも満人（中国人）が住んでおり、畑を耕し作物を育てていた。

その土地を地主から安く買いたたき入植し、そこで耕作していた中国人（満州人）を

今度は小作として働かせ搾取する。

欧米列強の支配から独立する！という御旗を掲げている当事者たちが

欧米諸国と同様の植民地主義的な支配を行っている。

その矛盾に国家を率いていた人たちは気づいていたのだろうか？

その流れに翻弄される日本からやってきた庶民たち。

本作ではその庶民の悲しい歴史とそこで出会った

日本語が話せる中国人との交流を中心に描かれたドラマである。

石井731部隊を描いた戯曲を何本か書いた古川健。

だからこそ、あの時代の満州国での出来事が

いろんな方向でつながっていったのだろう！

日本国に有利に物事が進むようになっている傀儡国家「満州国」。

これはおかしいよ！と入植してきた日本人たちは感じ、

そこに居た中国人（満州人）たちは勝手な政策に反発する。

当然のことである。

上から目線で常に中国人に接する権力者と、

中国人と彼らの土地でともに生きようとしていた寒村出身の家族たちが対比的に描かれる。

俳優座の俳優たちの年齢層の幅の広さがキャスティングの幅を広げる。

初日なのにかなりの稽古が行われたのだろうか？

俳優たちがほぼ完ぺきに演じている。

決して華やかなタレント俳優たちではないが、真にチカラのある俳優たちが

地道に演じることで、本作で描かれる庶民にフォーカスをあてるということが

逆に際立ったのではないだろうか？

ベネチア国際映画祭でグランプリを獲得したアルフォンソ・キュアロンの「ROMA」という映画がある。

先日のアカデミー賞でも監督賞初め外国語映画賞など多くの賞を獲得した。

この映画は特に有名な俳優が登場していない。

しかしながら、この脚本にほれ込みキュアロンの才能を信じた

ネットフリックスが資金を用意して製作された！

それが、こうして世界中の話題になる。

従来のビッグスターの出演！派手な演出！そしてVFXやCGを駆使して、時には３Dなども

使いこれでもかという感じで作り込み、マーケティングリサーチを徹底的に行い

製作するスタイルの限界が見えて来たのではないだろうか？

多様な映画作りが、これからの映像コンテンツ業界の生き残る道なのでは？

そのために資金を出しクリエイターの才能に寄り添う

ネットフリックスやアマゾンなどが登場したことによって

ハリウッドの五大メジャーなども多様な考え方を広めていくのではないだろうか？

例えば、フォックス・サーチライト・ピクチャーズのように…。

脱線してしまった。

何を言いたいかというと演劇にもそのようなことが言えるのでは？ということ。

有名な俳優さんが出る人気の公演とともに、

小さなまさにこの稽古場みたいなスペースから少人数の観客に対して

発信されることにも大きな意味がある。

少なくともこれを見た何割かの観客には

ものすごく深く届いたのではないだろうか？

上演時間、休憩入れて、2時間45分程度。31日まで。